15 Películas trascendentales que incomprensiblemente no se llevaron ni un solo Óscar

Cada vez que llega la temporada de premios, inevitablemente se genera una gran cantidad de debate y se dedican muchas columnas a las películas y actuaciones contendientes. Y una vez que se anuncian las nominaciones (y luego los ganadores), a menudo hay tanto o más debate en torno a las películas y los artistas que han sido desairados.

Gran parte de este tipo de conversación es subjetiva, por supuesto, pero a medida que pasa el tiempo, ciertas películas emergen como clásicos, ganándose su lugar en la historia del cine. En contraste, otras quedan en el camino, y la lista de aquellas que no fueron reconocidas con ni un solo Premio de la Academia se hace cada vez más larga, y en el caso de algunas películas, cada vez más flagrante.

En última instancia, las películas que se enumeran a continuación, a pesar de su estatus de clásicos innovadores, se encuentran ahora entre algunos de los mayores desaires de los Óscar en la historia de Hollywood.

**FRANKENSTEIN** (1931)

Los Premios de la Academia siempre han tenido una relación difícil con el género de terror. Ha habido un debate considerable en los últimos años en torno a la falta de interés en actuaciones de gran impacto como las de Toni Collette en Hereditary, Mia Goth en Pearl, o Essie Davis en The Babadook.

Pero la aversión de la Academia por el terror no es nueva: hace casi un siglo, la película Frankenstein de James Whale, protagonizada memorablemente por Boris Karloff, no recibió ni una sola nominación en 1931. Su secuela de 1935, La novia de Frankenstein, sí obtuvo al menos un guiño técnico a Mejor Grabación de Sonido, pero perdió frente al musical de MGM, Marietta, la traviesa. Este desinterés inicial sentó un precedente histórico, indicando que, incluso en el amanecer del cine sonoro, el terror no era considerado un arte serio o digno de reconocimiento por la élite de Hollywood. Es un olvido que, visto con la perspectiva del tiempo, resulta inconcebible, dada la influencia cultural y el diseño de producción revolucionario de la película.

La omisión más clamorosa, más allá de la película en sí, fue la ausencia de Boris Karloff en la categoría de Mejor Actor. Su interpretación del Monstruo de Frankenstein, una criatura patética y aterradora a partes iguales, se convirtió instantáneamente en una figura icónica y un referente del cine de monstruos. Karloff no solo creó un personaje inolvidable, sino que lo dotó de una humanidad silenciosa a pesar del maquillaje pesado y las limitaciones físicas. Si bien la Academia a menudo ha sido reticente a nominar el trabajo de caracterización pesada en el terror, este rechazo a Karloff subraya el prejuicio profundamente arraigado que existía en ese momento contra el género.

**EL GRAN DICTADOR** (1940)

El Gran Dictador de Charlie Chaplin fue su película de mayor éxito comercial. Una sátira innovadora y una condena del fascismo y el antisemitismo que se extendían por Europa en el momento de su estreno (cuando Estados Unidos aún no estaba involucrado en la Segunda Guerra Mundial y mantenía una postura diplomáticamente neutral con la Alemania nazi), la película obtuvo cinco nominaciones al Óscar: Película, Actor y Guion para Chaplin, mientras que Jack Oakie obtuvo una nominación a Actor de Reparto, y el compositor Meredith Wilson fue nominado a Mejor Banda Sonora.

Sin embargo, la película no se llevó ninguno de ellos, en lo que resultó ser un año asombrosamente competitivo: el Óscar a la Mejor Película fue para Rebecca de Alfred Hitchcock; el de Mejor Director para John Ford por Las uvas de la ira; Chaplin perdió el de Mejor Actor ante James Stewart en Historias de Filadelfia; Oakie perdió ante Walter Brennan en El forastero; y Pinocho de Disney se llevó el premio a la Mejor Banda Sonora Original de ese año. El hecho de que Chaplin, que invirtió una enorme valentía personal y económica en hacer esta declaración política en un clima de apaciguamiento, se fuera con las manos vacías, se percibe hoy como un castigo sutil a su activismo político.

El discurso final de Chaplin, en el que abandona su personaje y se dirige directamente al público con un mensaje de esperanza y humanidad, es considerado uno de los momentos más poderosos de la historia del cine. A pesar de la calidad cinematográfica y la trascendencia del mensaje, la Academia pareció favorecer obras más seguras o históricamente respaldadas ese año. Aunque Chaplin recibió un Óscar honorífico en 1972, su fallo en ganar por El Gran Dictador sigue siendo un recordatorio de cómo la política internacional puede influir en las decisiones de la Academia.

**PERDICIÓN** (DOUBLE INDEMNITY, 1944)

Las películas de Billy Wilder obtuvieron un total de 73 nominaciones al Óscar a lo largo de toda su carrera, ganando un total de 17 (incluidos los Óscar a Mejor Película por Días sin huella y El apartamento). Sin embargo, varios de sus mayores éxitos y películas más significativas no lograron llevarse ni un solo premio, incluido el drama judicial Testigo de cargo de Marlene Dietrich (seis nominaciones, ninguna victoria) y la comedia clásica de Marilyn Monroe La tentación vive arriba (que no recibió ninguna nominación en absoluto).

De todos los desaires a Wilder, quizás el más flagrante sea el clásico de 1944 Perdición, que desde entonces ha sido reconocido por establecer el estándar del cine negro clásico (film noir). Es una obra maestra de cinismo, atmósfera y guion, que perfeccionó la estructura narrativa del flashback y el personaje de la femme fatale.

A pesar de siete nominaciones, la película no se llevó ningún premio en la noche de los Óscar; su estrella, Barbara Stanwyck, perdió el de Mejor Actriz ante Ingrid Bergman en Luz de gas, mientras que Wilder perdió el de Mejor Guion, Mejor Director y Mejor Película frente al musical de Bing Crosby Siguiendo mi camino. Mientras tanto, el protagonista de la película, Fred MacMurray, ni siquiera fue nominado. Este fracaso ante una película mucho menos relevante como Siguiendo mi camino (que ahora es recordada principalmente por haber batido a Perdición), subraya cómo en esa época la Academia solía preferir dramas sentimentales y moralmente seguros sobre narrativas oscuras y transgresoras como el film noir.

**CANTANDO BAJO LA LLUVIA** (SINGIN’ IN THE RAIN, 1952)

Los musicales siempre han tenido un buen desempeño en los Óscar, con diez —desde The Broadway Melody (1929) hasta Chicago (2002)— que han ganado el premio a la Mejor Película a lo largo de los años. Sin embargo, fueron los años 50 y 60 los que constituyeron la época dorada de los musicales, con seis musicales ganadores del premio a la Mejor Película solo en esta era. Cantando bajo la lluvia de 1952, sin embargo, no fue uno de ellos.

A pesar de ser ahora un hito del cine musical (si no el mejor musical de todos los tiempos), Cantando bajo la lluvia solo obtuvo dos nominaciones al Óscar: Mejor Actriz de Reparto para Jean Hagen (que perdió ante Gloria Grahame en Cautivos del mal), y Mejor Banda Sonora Original para un Musical (que fue para Con una canción en mi corazón en su lugar).

Sus estrellas principales, Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, fueron ignoradas, mientras que el premio a la Mejor Película de ese año fue para el drama circense El mayor espectáculo del mundo (ahora considerada una de las ganadoras del premio a la Mejor Película menos merecedoras en la historia del Óscar). La coreografía innovadora, la música inolvidable y la crítica ingeniosa de la transición del cine mudo al sonoro que ofrecía Cantando bajo la lluvia hicieron de su casi total exclusión un error monumental.

**MÁS CORAZÓN QUE VIDA** (THE SEARCHERS, 1956)

El legendario cineasta John Ford ganó un récord de cuatro Óscar a Mejor Director —por El delator (1935), Las uvas de la ira (1940), ¡Qué verde era mi valle! (1941) y El hombre tranquilo (1952)— más que cualquier otro cineasta en la historia de Hollywood. Sin embargo, a pesar de ser quizás su mayor obra maestra, el épico wéstern de Ford de 1956, Más corazón que vida, no fue nominado a un solo premio.

El premio a la Mejor Película de ese año fue para la épica cómica, ahora algo olvidada, La vuelta al mundo en ochenta días, mientras que el de Mejor Director fue para George Stevens por la última película de James Dean, Gigante. La completa ausencia de Más corazón que vida en las nominaciones resulta particularmente chocante dado que, con el tiempo, ha sido reevaluada por críticos de cine de todo el mundo, siendo considerada consistentemente una de las mejores películas jamás hechas. Su compleja exploración de temas como el racismo, la obsesión y la soledad en la frontera americana, encarnada por la actuación sombría y magistral de John Wayne, demostró una profundidad inusual para el género wéstern en ese momento.

Este desaire puede explicarse en parte por el hecho de que la película, aunque popular, fue percibida en su época simplemente como un wéstern más, un género que la Academia históricamente ha tendido a subestimar en favor de dramas más serios o "literarios". Sin embargo, el personaje de Ethan Edwards, interpretado por Wayne, se ha convertido en un arquetipo fundamental, e influyó directamente en cineastas como Martin Scorsese y George Lucas.

**PSICOSIS** (PSYCHO, 1960)

Alfred Hitchcock es famoso por no haber ganado un solo Óscar competitivo en toda su carrera de 50 años, y aunque sus películas obtuvieron más de 40 nominaciones en total —incluyendo cinco a Mejor Director— solo ganaron seis en total.

Entre los muchos clásicos de Hitchcock que no lograron ganar un solo Óscar se encuentran Extraños en un tren (nominada a uno en 1951), La ventana indiscreta (nominada a cuatro en 1954), Vértigo (dos nominaciones en 1958), y Psicosis (cuatro nominaciones, incluida la última de Hitchcock a Mejor Director, en 1960). Por desgracia, este fue el año en que El apartamento de Billy Wilder arrasó, mientras que Janet Leigh perdió su nominación a Mejor Actriz de Reparto ante Shirley Jones en Elmer Gantry.

El impacto cultural de Psicosis y su revolución en el cine de terror y suspenso es innegable. La película no solo rompió tabúes narrativos (como matar a su estrella principal a la mitad de la película), sino que también definió el concepto moderno del thriller psicológico. Su banda sonora minimalista pero impactante de Bernard Herrmann fue totalmente ignorada, y Anthony Perkins, cuya interpretación de Norman Bates es fundamental para el terror de la película, no recibió ninguna nominación. La Academia de 1960 simplemente no estaba lista para reconocer el brillante cine que emanaba de un género que consideraban menor o excesivamente comercial.

**DR. STRANGELOVE** (1964)

Stanley Kubrick fue otro cineasta legendario que nunca se entendió del todo con la Academia, ganando solo un Óscar competitivo en toda su carrera cinematográfica de 13 nominaciones. Sorprendentemente, el único premio que ganó fue por su contribución a los Efectos Visuales Especiales en 2001: Una odisea del espacio.

Aún más extraordinario es el hecho de que 2001 fue una de las tres únicas películas de Kubrick en llevarse algún premio en la noche del Óscar: Espartaco ganó cuatro premios (de seis nominaciones) en 1960, mientras que Barry Lyndon obtuvo cuatro premios (de siete nominaciones) en 1975. Sin embargo, ni una sola película en el resto de la estelar filmografía de Kubrick ganó un solo premio, incluyendo ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (cuatro nominaciones), La naranja mecánica (cuatro nominaciones) y Cara de guerra (una nominación).

Dr. Strangelove, una comedia satírica oscura sobre la Guerra Fría y el miedo nuclear, fue derrotada por el musical My Fair Lady. Este resultado ejemplifica la tendencia de la Academia a evitar obras que desafían o critican directamente las instituciones políticas o sociales, prefiriendo producciones más seguras y tradicionalmente "de prestigio". A pesar de su aguda crítica y la triple actuación inolvidable de Peter Sellers, la película fue percibida como demasiado cínica y, quizás, demasiado profética para la época.

**EASY RIDER** (BUSCANDO MI DESTINO, 1969)

Aunque pudo haber ayudado a iniciar la era del Nuevo Hollywood de cine de bajo presupuesto y vanguardista a finales de los 60 y principios de los 70, Easy Rider no tuvo el mismo impacto en los Premios de la Academia en 1969.

La película solo obtuvo dos nominaciones, perdiendo ambas: Jack Nicholson perdió el premio a Mejor Actor de Reparto ante Gig Young en Danzad, danzad, malditos, mientras que el guion de la película (por el que tanto Peter Fonda como el director Dennis Hopper recibieron créditos de escritura) perdió ante el guion de William Goldman para Dos hombres y un destino.

Easy Rider fue mucho más que una película: fue un fenómeno cultural que capturó el espíritu de contracultura de la época y demostró que el cine podía ser relevante y rentable sin la maquinaria de los grandes estudios. La Academia, sin embargo, era notoriamente lenta para reconocer el cine independiente y juvenil. El desaire no solo se limitó a las categorías principales, sino también al director. Hopper no fue reconocido por su dirección innovadora, que empleaba técnicas documentales y una banda sonora icónica que definió la cultura juvenil. Es un ejemplo clásico de cómo la Academia a menudo premia la tradición sobre la revolución.

**TAXI DRIVER** (1976)

Ampliamente considerada una de las mejores películas jamás hechas, el quinto largometraje de Martin Scorsese, Taxi Driver, fue nominado a cuatro Óscar en 1977, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor (para Robert De Niro), Mejor Actriz de Reparto (para Jodie Foster, de 14 años) y Mejor Banda Sonora (para Bernard Hermann, quien murió apenas unas horas después de completar la música de la película; la película está dedicada a él). Sin embargo, en un año inusualmente competitivo, perdió en todas las categorías.

Los premios de actuación de Taxi Driver fueron a parar a las estrellas de Network: Peter Finch (quien había muerto solo unas semanas antes, ganando el primer y hasta ahora único premio póstumo a Mejor Actor en la historia del Óscar), y Beatrice Straight (cuya victoria a Mejor Actriz de Reparto se obtuvo por un tiempo en pantalla de solo cinco minutos). El compositor Bernard Hermann perdió su victoria póstuma ante la monumental banda sonora de Jerry Goldsmith para La profecía, mientras que el premio a la Mejor Película de ese año fue para Rocky.

La derrota ante Rocky es quizás el desaire más comentado de la década. Mientras Rocky era un inspirador drama de superación, Taxi Driver era un estudio oscuro, visceral y profundamente psicológico sobre la soledad y la alienación urbana. La decisión de premiar el optimismo frente a la complejidad moral y la excelencia formal de Scorsese y De Niro refleja un momento en el que la Academia todavía se inclinaba por el sentimentalismo sobre la provocación artística, a pesar de estar en plena era del Nuevo Hollywood.

**BLADE RUNNER** (1982)

La secuela de ciencia ficción de 2017, Blade Runner 2049, fue nominada a cinco Óscar, ganando dos. Sin embargo, la épica de 1982 de Ridley Scott que inició la franquicia, solo obtuvo dos nominaciones, perdiendo Mejor Dirección de Arte ante Gandhi y Efectos Visuales ante E.T., el extraterrestre.

El fracaso de Blade Runner en las categorías principales no solo es un desaire, sino una prueba del continuo subestimación de la Academia hacia el género de la ciencia ficción, a menos que esta viniera emparejada con un mensaje familiar y optimista (como fue el caso de E.T.). La película de Scott, con su atmósfera noir futurista y su profunda exploración filosófica sobre la humanidad y la inteligencia artificial, fue incomprendida por la crítica mainstream en su momento. Hoy, su diseño visual, el vestuario, y su influencia en el cine ciberpunk son incalculables, lo que convierte a su limitado reconocimiento en una de las mayores injusticias técnicas de los Óscar.

**EL COLOR PÚRPURA** (THE COLOR PURPLE, 1985)

Junto con Punto de inflexión de 1977, la adaptación de 1985 de la novela de Alice Walker, El color púrpura, ostenta el récord de más nominaciones al Óscar sin una sola victoria. Un éxito de crítica y público, la película obtuvo once nominaciones al Óscar ese año, incluyendo Mejor Película y Mejor Actriz para Whoopi Goldberg.

También logró la rara hazaña de múltiples nominaciones en la misma categoría de actuación (tanto Margaret Avery como Oprah Winfrey fueron nominadas a Actriz de Reparto), mientras que Quincy Jones obtuvo tres nominaciones para él solo: Jones fue nominado tanto a Mejor Banda Sonora Original como a Mejor Canción Original, mientras que su crédito de producción le valió una mención en la nominación a Mejor Película, junto al director Steven Spielberg.

Sin embargo, 1985 fue el año en que Memorias de África de Sydney Pollack también recogió once nominaciones, superando a El color púrpura en Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora, Sonido, Dirección de Arte y Cinematografía. En otros lugares, Geraldine Page se llevó a casa el premio a Mejor Actriz por Regreso a Bountiful, mientras que el premio a Actriz de Reparto fue para Anjelica Houston en El honor de los Prizzi. La derrota 0 de 11 de El color púrpura es especialmente dolorosa porque fue una de las primeras películas de gran estudio en tratar temas difíciles sobre la experiencia afroamericana con seriedad. Su fracaso total, a pesar de la gran cantidad de nominaciones, sugiere una profunda división en la Academia, donde la película era lo suficientemente importante como para ser nominada, pero no lo suficientemente "cómoda" como para ganar.

**RESERVOIR DOGS** (PERROS DE RESERVA, 1992)

El debut como director de Quentin Tarantino en 1992, Reservoir Dogs, pudo haberle valido tanto a la película como a su director un lugar en la historia del cine, pero no logró obtener suficiente revuelo mainstream para conseguir una sola nominación al Óscar (a pesar de una serie de premios en festivales de cine).

El brutal, ingenioso y estilizado debut de Tarantino redefinió el cine independiente de la década. Aunque su violencia explícita y su estructura narrativa no lineal pudieron haber disuadido a los votantes más conservadores de la Academia, su exclusión total es un marcador de la desconexión entre la Academia y el cine verdaderamente innovador a principios de los 90. Es importante recordar que dos años después, Tarantino cosechó siete nominaciones y ganó por guion por Pulp Fiction, lo que sugiere que Reservoir Dogs fue simplemente demasiado adelantada a su tiempo para el cuerpo de votantes de 1992.

**CADENA PERPETUA** (THE SHAWSHANK REDEMPTION, 1994)

El aclamado drama carcelario Cadena perpetua es famoso por no haber ganado ninguno de los siete Óscar a los que fue nominado en 1994. Morgan Freeman perdió el premio a Mejor Actor ante Tom Hanks en Forrest Gump (que también venció a Cadena perpetua en Mejor Película y Guion Adaptado), mientras que la música de Thomas Newman perdió el premio a Mejor Banda Sonora ante la música de Hans Zimmer para El Rey León.

La clase de 1994 fue una de las más fuertes de la historia reciente, compitiendo directamente con Pulp Fiction y la ganadora Forrest Gump. Aunque Forrest Gump es una película querida, Cadena perpetua ha superado su legado en términos de perdurabilidad crítica. Actualmente, la película ocupa consistentemente el puesto número 1 en las listas de las mejores películas de todos los tiempos de IMDb, un testamento a su impacto emocional y su resonancia universal con el público. El hecho de que una película tan profundamente amada y técnicamente excelente se fuera de vacío es el ejemplo moderno perfecto de un desaire por exceso de competencia.

**EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR** (THE BLAIR WITCH PROJECT, 1999)

Realizada con un presupuesto de solo 35.000 dólares, El proyecto de la bruja de Blair llegó a recaudar la asombrosa cifra de un cuarto de billón de dólares en la taquilla mundial en 1999, convirtiéndola en la película más rentable de la historia del cine en proporción dólar por dólar. Su inmensa popularidad despertó el amor del siglo XXI por el género de terror de "metraje encontrado", mientras que el inteligente intento de sus cineastas de comercializar la película como un misterio genuino de personas desaparecidas revolucionó la forma en que se puede publicitar el cine de género. A pesar de su lugar asegurado en la historia del cine moderno, sin embargo, El proyecto de la bruja de Blair no logró asustar para conseguir ni una sola nominación al Óscar.

Este desaire es una clara muestra de la continua reticencia de la Academia a reconocer el cine de terror de bajo presupuesto, especialmente si carece de actuaciones de "prestigio" o valores de producción tradicionales. No obstante, la película merece reconocimiento por la forma en que manipuló la forma y la percepción del público. Su estilo de narración inmersivo y su impacto en la mercadotecnia cinematográfica deberían haber merecido al menos consideraciones técnicas o de innovación narrativa.

**AMÉLIE** (2001)

Los Óscar han adquirido un sabor cada vez más global en los últimos años, con varias películas y actuaciones internacionales obteniendo importantes nominaciones y premios. Las películas francesas en particular han liderado esta ola, con la épica muda The Artist arrasando notablemente en 2011, y Marion Cotillard ganando Mejor Actriz por su asombrosa actuación en el biopic de Edith Piaf La vida en rosa en 2007 (la primera actuación ganadora de Mejor Actriz hablada en un idioma que no fuera inglés en la asombrosa cifra de 46 años).

Sin embargo, la comedia romántica de Jean-Pierre Jeunet de 2001, Amélie, llegó justo un poco demasiado pronto para subirse a esta ola: a pesar de obtener cinco nominaciones al Óscar, no ganó ni una sola (incluso perdiendo el premio de ese año a Mejor Película Internacional ante el drama de guerra bosnio En tierra de nadie). Más controvertidamente, sin embargo, la estrella principal, Audrey Tautou, ni siquiera fue reconocida en la categoría de Mejor Actriz. El premio a la Mejor Actriz de ese año fue para Halle Berry en Monster's Ball.

Amélie fue un fenómeno mundial que revitalizó el cine francés y capturó la imaginación del público con su fantasía visual y su optimismo contagioso. La ausencia de Tautou en la lista de actrices principales, a pesar de que su actuación era el corazón pulsante de la película, es un ejemplo de cómo la Academia aún se enfocaba abrumadoramente en las actuaciones en inglés. Es una película que, con su vibrante cinematografía y su innovadora dirección de arte, sin duda mereció un mejor destino en la noche de los Óscar, y su desaire refleja una era de menor apertura internacional en Hollywood.

El patrón de los desaires: Género, política y popularidad tardía

Al examinar esta lista de desaires históricos, es posible identificar patrones recurrentes en los errores de juicio de la Academia. En primer lugar, existe un claro sesgo contra el cine de género. Películas que son hitos del terror (Frankenstein, Psicosis, El proyecto de la bruja de Blair), de la ciencia ficción profunda (Blade Runner) o del wéstern revisionista (Más corazón que vida) a menudo han sido relegadas a categorías técnicas o ignoradas por completo. La Academia históricamente ha favorecido el drama histórico, el biopic o la épica social, considerando estos géneros como más "serios".

En segundo lugar, se castiga frecuentemente el contenido políticamente desafiante o el cinismo. Las obras que rompen moldes o critican abiertamente el statu quo (como Dr. Strangelove o El Gran Dictador en su contexto) a menudo pierden frente a opciones más seguras, sentimentales o tradicionalmente edificantes (como Siguiendo mi camino o Rocky).

Finalmente, muchas de las películas en esta lista, como Cadena perpetua o Cantando bajo la lluvia, demuestran una popularidad y un estatus crítico que solo crecieron significativamente después de la noche de los Óscar. Estos desaires sugieren que los votantes de la Academia a menudo premian la película del momento —la que tiene la campaña de marketing más fuerte o el tema más resonante para ese año— en lugar de aquellas que finalmente perduran como obras maestras cinematográficas. Esta falta de visión a largo plazo es lo que alimenta el discurso anual sobre los "robos" históricos.

Fuentes

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http://bernardherrmann.org/articles/an-interview-with-bernard-herrmann/index.html
https://www.britannica.com/biography/Peter-Finch
https://www.screentimecentral.com/shortest-oscar-nominated-performances
https://www.oscars.org/oscars/ceremonies/2018
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https://www.oscars.org/oscars/ceremonies/1995
https://www.forbes.com/sites/niallmccarthy/2015/11/06/the-most-profitable-movies-in-history-infographic/
https://www.latimes.com/entertainment-arts/movies/story/2024-07-30/the-blair-witch-project-marketing-25th-anniversary-1999-project
https://theconversation.com/how-non-english-language-cinema-is-reshaping-the-oscars-landscape-222484
https://www.britannica.com/topic/Frankenstein-film-by-Whale
https://www.imdb.com/title/tt0111161/ (Referencia implícita al estatus de **Cadena perpetua** en IMDb)
https://www.bfi.org.uk/greatest-films-all-time (Referencia implícita al estatus de **Más corazón que vida** como uno de los mejores filmes de todos los tiempos)